Zelaya 3122 (Abasto)
(054 11) 4862-0209
Ciudad de Buenos Aires Argentina
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Zelaya 3122 (Abasto) (054 11) 4862-0209 Ciudad de Buenos Aires Argentina |
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Talleres de Artes Escénicas / Año 2008
La Compañía de danza-teatro Pata de Ganso dicta seminarios, talleres anuales y de fin de semana, junto a otros profesionales de alto nivel pedagógico. Los mismos están orientados a articular los contenidos multidisciplinarios que comprende el lenguaje el lenguaje escénico experimental. Considerados como "talleres integrados", abarcan diversas instancias de la investigación y experimentación en el campo del movimiento y la teatralidad (danza contemporánea, danza-teatro, danza butoh, contact-improvisación, composición de danza, actuación, Clown, entrenamiento actoral, canto, música) entre otras disciplinas.
Esta abierta la inscripción de los talleres 2008
Pasaje Zelaya 3122 (Abasto)
de lunes a viernes de 10:30 a 20:00 horas
teléfono: (054 11) 4862-0209
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
TODOS LOS TALLERES SON CON INSCRIPCIÓN PREVIA
MATRICULA $
30, 2º semestre
Con esta matricula el alumno
automáticamente queda asociado al Espacio Cultural Pata de Ganso
accediendo a los beneficios de
descuentos para socios.
Taller de Composición Coreográfica de
Danza-Teatro por María José Goldínlunes de 19:30 a 22:30 horas costo $140 por mes
El concepto de "danza-teatro ", que apareció en los círculos especializados a fines de los años setenta, refiere a un conjunto de rupturas estético-expresivas, entre las que se cuentan –entre otras– la eliminación de la perspectiva unidimensional en provecho de un espacio abierto, ampliado, que responde en cierto modo a los descubrimientos de la física moderna; la revalorización de la dimensión cotidiana, el continuo de lo humano, en sus manifestaciones aparentemente triviales y cursis, incluyendo en esta apertura la palabra, el ruido ambiente, en lo que constituye la irrupción de la música concreta al servicio de la danza.
Con el objetivo acercar a la creatividad y el juego en relación al hecho escénico, creando una atmósfera donde cada individuo depende de lo colectivo al mismo tiempo que su potencial creativo. Se aborda el trabajo a partir de un entrenamiento intensivo, basado en distintas técnicas escénicas. (improvisación, proyección, entrenamiento escénico, técnicas de movimiento, trabajo con la voz, contact-improvisación, composición coreográfica.)
La propuesta es plantear estrategias para generar un espacio de investigación, experimentación y construcción de la poética de la imagen escénica, aportando herramientas que sirvan como puente al alumno entre las aéreas técnicas y creativas que intervienen en la composición de danza-teatro.
Este seminario esta dirigidos a estudiantes de danza, bailarines, actores con entrenamiento físico e interesados en la interpretación, la danza y la coreografía como forma de expresión creativa.
Universidad de la Plata
Especialización en análisis de la producción coreográfica (fragmento)
El butoh nace en 1959 como forma de danza creada por Tatsumi Hijikata. El la llamó ankoku butoh “danza de las tinieblas”, para diferenciarla de la palabra danza: buyo y abrir así una brecha respecto de las tradiciones teatrales japonesas (Nô, Kabuki).
Al nombrar a las tinieblas Hijikata da lugar a través de la danza a la exploración del inconsciente, liberar aspectos reprimidos, olvidados, quebrar hábitos culturales para dejar paso a memorias olvidadas. Hijikata, que fue una verdadera personalidad, un hombre carismático y generoso de palabra transgresora y poética ha dicho que nacemos enfermos; nuestro cuerpo tiene una herida que la vida ordinaria “normaliza”; butoh busca hacer visible lo invisible, dejar que la herida siga su recorrido.
Evidentemente el butoh no podría haber nacido antes de Hiroshima. Y esto tiene una doble consecuencia. Por un lado, un grupo de artistas recupera la herencia de la bomba y sin intentar redimirla aparece la estética que valoriza un cuerpo destruido, frágil, sin embargo aún vivo.” ”Estamos heridos desde el nacimiento. No somos más que cadáveres teniéndonos en pie en las tinieblas de la existencia”, dirá Hijikata. Esto no tiene nada de mórbido, sino que el bailarín, más que expresar su individualidad, debe salir de sí mismo, convertirse en su propio cadáver y volverse elemento del universo.” (...)
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Danza Butoh por Rhea Volij martes de 20:30 a 23:00 horas $120
Butoh implica presencia total. dejar al cuerpo hablar por sí mismo. su dimensión erótica y ascética. ver la danza como un profundo cambio de existencia. templar los sentidos hacia el interior del cuerpo. quebrar los hábitos que limitan el moverse y el percibir. no es el deseo de pronunciar un discurso sino de descubrir un sentido.
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Teatro Físico | |
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Teatro Físico por Ximena Romero "Action theater" viernes de 16:00 a 18:00 horas $100 (principiantes) viernes de 18:00 a 20:00 horas $100 (intermedios y avanzados)
Clases de improvisación basadas en los métodos
"Action
theater"
El método de Teatro Físico "Action theater" examina la relación entre expresión y presencia. Funciona a la vez como entrenamiento y como práctica artística.
De ésta manera el estudiante activa su mente y su corazón, desarrolla una expresividad espontánea y conciente y adquiere nuevas perspectivas sobre si mismo.
Modalidad de trabajo
Individualmente, en grupos pequeños o con la totalidad de los participantes, el docente guía verbalmente al grupo para que, a través de ejercicios de improvisación, el estudiante explore los elementos: movimiento, voz y lenguaje. Los ejercicios ofrecen tácticas para aprender a crear historias, iluminar contenidos, moverse en el humor y la musicalidad, y entrenarse para tener una actitud de real apertura.
¿Qué logramos?
Arrojar luz sobre hábitos de pensamiento y expresión, reintegrándolos a nuestra vida y quehacer artístico de manera enriquecida, y desde una perspectiva creativa. Aprender a reconocer nuestro propio universo y a colaborar con él, y con el universo de los otros. Desarrollar profundamente la sensibilidad, la atención y la creatividad. Mejorar nuestras capacidades técnicas de movimiento, voz y lenguaje.
¿A quien está dirigido el trabajo?
Pueden abordar este aprendizaje y perfeccionamiento actores, bailarines, cantantes, músicos y aquellas personas, que deseen descubrir su imaginación, y aumentar sus capacidades corporales, vocales y de lenguaje. El "Action theater" fue creado en los Estados Unidos por la bailarina Ruth Zaporah, en las últimas décadas del siglo XX. (www.actiontheater.com) En los últimos diez años, algunos de sus discípulos, entre ellos Sten Rudstrom (www.stenrudstrom.com), Peter Krempelselzer y Sabine Van der Tann, han comenzado a difundir éste método en algunos países europeos. Ximena Romero estudió en Berlín y Colonia con Sten Rudstrom.
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Entrenamiento Corporal | |
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Entrenamiento Corporal con elementos de danza y acrobacia por Tomas Gonzalez lunes y miércoles de 13:30 a 15:00 horas costo $100
Trabajaremos la flexibilidad, resistencia, alineación, coordinación, ritmo y espacio Una primera parte de la clase es de alineación y preparación del cuerpo utilizando elementos de yoga y danza. Y una segunda donde se ejercitarán la fuerza, la resistencia y coordinación con una serie de ejercicios y secuencias de movimiento, se trabajara la relación con el espacio y con los demás. Los objetivos de la clase son: Desarrollar conciencia corporal. Descubrir y ampliar las posibilidades del cuerpo, físicas y expresivas Desarrollar una danza acrobática. Generar una disponibilidad para la escena y para la vida. Dirigido a actores, bailarines, acróbatas y a todos aquellos que les interesen conocer y desarrollar sus propias capacidades físicas y expresivas.
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Danza Contemporánea | |
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Danza Contemporánea con elementos de Fliyng Low por María José Goldín martes y jueves de 19:00 a 20:30 horas $110 1/2 mes $70 - Clase suelta $30
Se abordara la clase a partir de un entrenamiento intensivo del cuerpo en movimiento, basado en la relación del bailarín con el suelo, el espacio y la relación entre el peso y el centro de gravedad. Las secuencias de movimiento con cambios de niveles, direcciones y desplazamientos, acentuarán las salidas y entradas al eje vertical. Desarrollando las actitudes psicofísicas del bailarín.
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Danza Contemporánea técnica Humphrey por Melina Martín
a) martes y jueves de 13:30 a 15:00 horas costo $ 110 1/2 mes $70 - Clase suelta $30
b) sábados de 14:00 a 15:30 y miércoles de 18:00 a 19:30 horas costo $ 110 1/2 mes $70- Clase suelta $30
martes, miércoles, jueves y sábados costo $ 170
La técnica Humphrey desarrolla específicamente el dominio del peso en relación al eje, ampliando los recursos en el abandonar el peso y recuperarlo. Extrema las posibilidades del cuerpo en movimiento haciendo hincapié en el moverse y transitar el espacio, abarcando todas las secciones de la kinesfera, despierta el sentido de la suspensión del movimiento a partir del uso de la respiración activa. Y propone un ser intérprete conciente y responsable. Yo me propongo en este curso exponer los principios básicos de la técnica con el fin transmitir un conocimiento que sustente la práctica y genere un alumno crítico y autocrítica, además de hacer llegar el material a todo aquel que le interese no solo su propio desempeño técnico, sino la enseñanza. La parte teórica se va a desarrollar durante la misma clase de técnica y a la par de ella, permitiendo que la práctica ejemplifique la teoría.
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Contact-Improvisación | ||
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Contact-improvisación por Gustavo Lecce martes de 11:00 a 13:00 horas costo $80 1/2 mes $50 - Clase suelta $ 25
Contact Improvisación
es una forma de danza basada en las leyes físicas del movimiento. No es necesario tener experiencia previa
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Actuación | ||
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Taller de Actuación por Julian Howard miércoles de 19:30 a 22:00 horas. costo $120 por mes
Mi punto de partida en la enseñanza de la actuación. Una forma distinta de enseñar a actuar. Una mecánica que surge como oposición a los métodos más tradicionales. Lo que ocurre en una escuela, o con un profesor, es que rápidamente intentan descubrir las “dificultades” que tiene un alumno para expresarse. Atacan las inhibiciones, las tensiones, los “clisés”, etc. Parten del hecho de superar esas dificultades para poder actuar. Ya no creo en esos sistemas. En cambio he logrado, a través de mi experiencia docente, descubrir que si un actor/actriz actúa como a el/ella le gusta… las “dificultades” desaparecen. Si un actor expresa algo que a él le gusta, no hay inhibición. Si una actriz interpreta a Julieta como a ella le gusta, seguramente esa interpretación va a ser única, original, creativa… porque responde a sus gustos y no a los del profesor o director. Lo más atrayente de este tipo de trabajos es que no lo hago siguiendo mis ideas y gustos, sino que lo que intento hacer es guiarme con los pensamientos y sentimientos del actor. Para ser un artista uno tiene que lograr ser lo más fiel posible a sus propias emociones y a sus pensamientos, y no a aquellos que se imponen desde la sociedad o la moda. Una actuación se parece mucho a una confesión. Si el actor no me muestra lo que siente y lo que piensa es muy difícil que su trabajo me resulte interesante. El teatro es del actor. Varias veces he visto espectáculos mal actuados y sinceramente me he aburrido, sin embargo estaban representando a Shakespeare, que lo único que hizo fue escribir un montón de obras teatrales geniales. Nunca vi. un espectáculo muy bueno que estuviera mal actuado. En contrapartida a esto he visto obras cuya dramaturgia me ha resultado pobre y el espectáculo me ha encantado. Simplemente estaba bien actuado. Al igual que un artista plástico o un músico, el actor debe actuar lo que a el le guste.
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La técnica de clown proviene de la escuela francesa de Jaques Lecoq fundada en 1956 y basada en la observación de la dinámica de la vida. El clown es un hombre-actor que se sumerge en su propia intimidad y a partir de allí ayuda a que aparezcan sus aspectos mas ridículos o aquellos no tan "aceptables". Mientras toma valor y pierde el miedo comienza a reconocerlos y así, en ese estado, se muestra al público. El punto de apoyo del clown es el vacío, él no sabe, sólo sigue su impulso, estando atento a lo que le sucede a él y al público. Todo esto lo realiza desde el juego, que es lo más serio que sabe hacer. No es un personaje pensado o armado. Ya existe. Sólo hay que permitir que aparezca y que nos lleve a cualquier lugar o situación. Sin juzgarse, sin criticarse, sin interpretarse; el clown desconoce estas palabras. Sólo es. Al mostrar su vulnerabilidad, produce en el público cierta identificación, complicidad y sobre todo risa. Esto abre un espacio para la comunicación y el humor, que entre el clown y el público se retroalimenta. Cuanto más serio y sincero es, más risa provoca. La risa es el alimento del clown. Hay varias acciones- palabras que lo acompañan: Libertad, sinceridad, espontaneidad, juego, improvisación, creatividad, vulnerabilidad, inocencia, complicidad, humor, comunicación. Si todo esto está presente, aparece el clown.
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Taller de Clown Pablo Gershanik jueves de 20:30 a 22:30 horas. costo $120 por mes Talleres destinado a jóvenes y adultos.
El presente seminario propone una exploración de ciertos elementos centrales que hacen al trabajo del clown. El clown pensado como el espacio diálogo entre el universo teatral y el circense. Ese punto en el que el teatro habla el texto del cuerpo, de la acción cómica; y donde la fuerza y el vuelo del circo nos dedican la mirada, nos relatan desde el juego, la ternura y la risa. El clown imaginado no como un personaje a crear exteriormente, sino más bien como un el resultado de un encuentro: el del actor con su propio clown. Un trabajo que explora no tanto la creación del clown como la “construcción de un personaje” sino más bien de deconstrucción, trabajando con los obstáculos que bloquean en cada actor la aparición de lo cómico, de su propia inventiva cómica. Algo así como “quitar los sobrantes para que de una roca salga la escultura que en ella se encuentra” en palabras de Miguel Ángel. El abordaje de lo clownesco a través de lo particular de cada actor, de la “unicidad del clown”; esa materia que vive en cada uno de nosotros en nuestra forma de ser nuestro cuerpo y de habitarlo, y que al ponerla en juego nos sorprende, nos toca en su particularidad, en su fragilidad. Los ejes del taller serán: 1) Un trabajo basado en la técnica desarrollada por el pedagogo francés Jacques Lecoq de búsqueda en torno al cuerpo y a su dinámica gestual de movimiento en el espacio.
2) Un trabajo grupal de desarrollo de cada clown: - La presencia. ¿Cómo existe un clown? - La textura. El cuerpo y la imagen clownesca - Preparación. La frontera entre el actor y su personaje. - La máscara más pequeña del mundo: La nariz roja. - La hazaña, clown “experto” - El vacío. El clown en evidencia. - La fuerza de lo frágil. La relación con el público. - El número clownesco. El “solo”, el “dúo”, el “trío”. - La clownería sonora y de los objetos.
Se solicita a los participantes venir con ropa negra y cómoda a las sesiones de trabajo. La duración de cada clase es de 2 horas y media.
Pablo Gershanik es actor y director. Estudió la Carrera de actuación en el Núcleo de Estudios Teatrales en la Ciudad de México. Se especializó en teatro físico en The Desmond Jones School of Myme and Physichal Theatre de Londres y en la École Lecoq de Paris. Desde hace 15 años trabaja actuando y dirigiendo teatro, y como maestro de actuación en lugares tales como el Centro de Capacitación Cinematográfica de México (Escuela Nacional de Cine) y la Escuela de Circo La Arena. Desde 2005 trabaja como clown del espectáculo Nomade del Cirque Eloize de Montreal. Así como en el programa de formación profesional de La Arena.
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Informes e inscripción: de lunes a viernes de 10:30 de 20:00 horas Sábados de 14:00 a 18:00 horas teléfonos: (054 11) 4862-0209 e-mail :info@patadeganso.com.ar Pasaje Zelaya 3122 (Abasto) Ciudad de Buenos Aires, Argentina
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